Rock progresivo

El rock progresivo (en inglés: progressive rock) es un subgénero del rock, uno de los más expandidos y comunes,^[5] que tuvo su auge en los años 70s, con grupos como Pink Floyd, Yes o Jethro Tull. Este subgénero utiliza instrumentos más sofisticados y complejos, como el melotrón, el theremín y los sintetizadores.^[5]
El rock progresivo es un género que emergió en los últimos años 60 y prosperó a través de los años 70 hasta que fuera destituido por el punk (véase abajo). El género está caracterizado por las composiciones extendidas y es comparable al jazz fusion. Se desarrolló siendo más serio que sus contemporáneos disponibles, con canciones divididas a menudo en varias partes y con un acercamiento manifiesto hacia la música clásica y el jazz.
Pink Floyd se mira generalmente como la banda más significativa dentro de este género, y su álbum The Dark Side of the Moon se considera una obra clásica de dicho género, aunque muchos aficionados discutirían si deben ser clasificados correctamente como progresivos. Otros exponentes del género son King Crimson, Camel, Genesis, Yes, Jethro Tull, Marillion, Emerson, Lake and Palmer y The Nice. wikipedia

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rock psicodélico

El rock psicodélico (en inglés:psychedelic rock) es un subgénero del rock que en la mayoría de casos necesita de drogas o sustancias alucinógenas, pero no es que sean indispensables para hacer esta música. Se creó en los principios de los sesenta, cuando las drogas se hicieron más accesibles hacia las personas. Se impulsó aún más con el movimiento hippie, el cual también usaba dichas sustancias.
Los primeros grupos en experimentar el rock psicodélico, fueron The Beatles con Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Pink Floyd en sus comienzos, con The Piper at the Gates of Dawn, The Doors y The Beach Boys. Las letras de las canciones, por las drogas, eran altamente filosóficas, se usan bastante las metáforas. wikipedia

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Grupos de rock de los 60s

La invasión británica, fue la invasión de la música rock inglesa hacia todo el mundo, en especial Estados Unidos. Esto hizo que en Estados Unidos, también se incrementaran el número de grupos de rock, en parte para contrarrestar esto.^[1] Muchas discografías han intentado volver a crear este fenómeno musical, pero no han podido, pues no hay muchos grupos grandes de rock.^[2] El Festival de Woodstock, que fue en Estados Unidos, congregó músicos de todo el mundo, y también espectadores. Entre los músicos, habían varias bandas inglesas, como The Who, lo que ayudó a afianzar la llegada de ingleses en el territorio estadounidense.

El Festival de Woodstock, lugar donde se reunieron grandes bandas rock del momento, como The Jimi Hendrix Experience o The Who, banda inglesa.

The Beatles fueron los primeros en lograr tener un gran éxito en EE. UU., lo que hizo que otros grupos los siguieran, como The Rolling Stones o The Who, estos también logrando tener buenas ventas, pero no tan grandes como The Beatles.^[3] Otros no lo hicieron tanto por las ventas, aunque claramente influía.
El rock en sus prinicipios no era tal, era el rock and roll, que fue evolucionando para convertirse en el rock. Los primeros intérpretes del rock and roll, fueron Elvis Presley, Chuck Berry y Little Richard, con canciones cortas y usando guitarras acústicas. Tenía variados ritmos, con influencias del jazz, rhythm and blues, blues y algunas veces reggae.  wikipedia

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Rock británico

El rock británico nació partiendo de la influencia del rock and roll y del rhythm and blues de los Estados Unidos, pero aportó una nuevo empuje y nuevas ganas, exportando la música de vuelta a los Estados Unidos así como ampliando en dicho país la audiencia del rhythm and blues negro y, además, extendiendo el género por todo el mundo. Mucho de lo que ha hecho única a la música rock en cuanto a su capacidad de unir a las audiencias y de adaptar nuevas influencias, vino de las bandas británicas de finales de los 50 y los grupos de música rock de comienzos de los años 1960. wikipedia

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comerciales de rap

Otros que se arriesgaron con las grabaciones comerciales de rap fueron Bobby Robinson y su sello Enjoy ("Superrappin" de Grandmaster Flash & The Furious Five, Disco Four, Funky Four Plus One) y Paul Winley quien grabó el debut de Afrika Bambaataa llamado "Zulu Nation Throwdown, pts 1 & 2".
Claro está, a comienzos de los años ochenta, muchos sintieron que el hip hop era una moda pasajera que pronto desaparecería. Este tópico sonó durante los siguientes 15 años, pero nada de eso sucedió. Todo lo contrario.
Con la llegada del hip hop a finales de 1970, los mejores elementos y técnicas del género estuvieron en su lugar. Aunque todavía no había llegado al "mainstream" (corriente principal) de popularidad, pegó fuerte entre los afroamericanos, incluso fuera de Nueva York. Ejemplos de ello encontramos en Los Ángeles con Captain Rapp, Washington, Baltimore, Dallas, Kansas City, Miami, Seattle, St. Louis, Nueva Orleans o Houston.
Filadelfia ha sido, durante muchos años, la única ciudad cuya contribución al hip hop fue evaluada positivamente por los puristas y críticos de Nueva York. La primera grabación data de 1979, "Rhythm Talk", de Jocko Henderson. El estilo se popularizó tanto que el New York Times apodó a Filadelfia la "Capital del mundo del Graffiti" en 1971, debido a la influencia de legendarios grafiteros como Cornbread. La primera artista femenina en grabar rap fue Lady B. ("To the Beat Y'All", 1980), en la emisora de radio de la localidad, WHAT. Después, Schoolly D ayudó inventando lo que posteriormente sería conocido como gangsta Rap, allanando el camino a los gángsters de la costa oeste.. wikipedia

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Finales de 1970: diversificación de estilos

A mediados de los 70, el hip hop se dividió en dos campos. Uno adaptaba como base la música disco, centrándose en el baile y la excitación del público. Entre estos DJ's, destacan Pete DJ Jones, Eddie Cheeba, DJ Hollywood y Love Bug Starski. El otro bando se caracterizaba por rimas rápidas y una compleja combinación de efectos y ritmos. Esta división incluía a Afrika Bambaataa, y Grandmaster Flash.
La explosión de insólita creatividad que estalló en los "ghettos" neoyorquinos y el fanatismo de muchos jóvenes (principalmente negros y latinos) por el rap, no pasó inadvertido para cazatalentos como Russell "Rush" Simmons (manager de raperos pioneros como Kurtis Blow, Spoonie Gee y Jimmy Spicer) y notablemente la ex cantante soul y productora Sylvia Robinson, quien, haciendo caso de las sugerencias de su hijo Joey Jr., se empeña en formar un trío de MC's con la finalidad de grabar un disco para su propio sello Sugar Hill Records. El resultado fue el mítico "Rapper's Delight" de The Sugarhill Gang; que fue un éxito rotundo en EE.UU., Canadá e Israel. wikipedia

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Los 71

Con técnicas como la mezcla de audio (proceso utilizado en la grabación y edición de sonido) y el scratching, junto con las interrupciones o breaks, se fueron creando elementos distintivos que denotaban que quedaba muy poco del original funk o disco con el que se empezó. En un primer lugar, Herc se centró en labores de DJ, y empezó a trabajar con dos MC's, Coke La Rock (esta fue la primera crew de MC's, Kool Herc & the Herculoids). Poco a poco, estos raperos se dieron a conocer entre el público, y más tarde empezaron a surgir MC's más variados, con un enfoque vocal y rítmico marcado y personalizado, incorporando rimas con un mensaje conciso, a menudo, con temas sexuales o escatológicos, en un intento de diferenciarse ellos mismos y entretener a la audiencia. Además, también incorporaron rimas y letras procedentes de la cultura afroamericana, como The Dozens (Los montones), una tradición afroamericana según la cual dos rivales, generalmente del sexo masculino, se intercambian insultos en una competición verbal, faltando al respeto a la familia del contrario y principalmente a la madre y a la hermana o ofender como sea posible, dando muestras de gran agilidad mental y oral. El objetivo del juego es demostrar la fortaleza emocional, siendo el perdedor aquel de los contrincantes que primero se encoleriza. The Dozens tiene sus orígenes en el mercado de esclavos de Nueva Orleans. wikipedia

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Son Jarocho

El Son Jarocho es la expresión musical propia de la cultura jarocha (en el estado de Veracruz).
Se practica esencialmente en la fiesta tradicional de los jarochos llamada fandango jarocho donde se combina con la danza zapateada y la poesía cantada. Esta expresión artística también es ampliamente practicada por ejecutantes que no son de origen jarocho. La música tienen un ritmo armónico, generalmente sesquiáltero, con síncopas y contratiempos, la lírica tiene coplas cambiantes llamadas "versos" y la danza se basa en el zapateado con algún caracter similar en algunas regiones de México. wikipedia

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Son istmeño

Son istmeño es un género musical que se cultiva en el istmo de Tehuantepec, en el oriente del estado mexicano de Oaxaca. Se trata de un género de compás ternario, muy parecido al vals. Su instrumentación tradicional consiste en guitarra, requinto y bajoquinto. De más reciente introducción es la marimba, que va en retroceso ante el resurgimiento de los tríos tradicionales y de bandas de aliento en ciudades como Union Hidalgo, Juchitán de Zaragoza y Santo Domingo Tehuantepec. Una de las características principales del son istmeño es la versificación en lengua zapoteca, mayoritaria en su zona nativa. No obstante, existen varias composiciones en castellano, o versiones bilingües. Otra de sus características son la letras románticas, mientras que las piezas picarescas, juzgadas en ocasiones como groseras, han ido perdiendo presencia. wikipedia

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El Jarabe Tapatío

Este baile de cortejo, se popularizó tanto, que fué declarado "Bailable Nacional". Lo que sucedió fue que en la gira de la famosa bailarina Rusa Ana Pavlova a México en 1919, ésta se enamoró de la cultura y los suntuosos trajes regionales e incluyó El Jarabe Tapatío vestida de China Poblana como parte de su repertorio permanente. Las autoridades culturales Mexicanas, concluyeron que tan grande honor hacia al Jarabe el baile mas importante de México y que debería bailarse en "puntas" vistiendo el traje de China Poblana wikipedia

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Danzón

El danzón es un ritmo bailable de origen cubano derivado de la danza criolla creado por el compositor matancero Miguel Failde y Pérez en 1879. Forma parte de la música tradicional de Cuba y México.
El nombre de este género musical no es más que el aumentativo de danza, aquel baile colectivo de figuras. En la segunda mitad del siglo XIX la danza criolla estaba muy de moda; se cristalizó entre fines del siglo XIX y principios del XX. En Cuba se interpreta con mayoría de instrumentos de viento, con piano, flauta, violines y percusión cubana. En México se agregaron saxofones a las orquestas de danzón - denominadas danzoneras -, y también el género es interpretado por mariachis y marimbas. wikipedia

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variaciones del corrido

En el área cultural mestiza mexicana, estas tres variantes del corrido (romances transculturados, corridos «revolucionarios» y los modernos) están igualmente vivas y son cantadas por igual, a la par que otros géneros populares narrativos, como la "Valona" de Michoacán, el "Son arribeño" de la Sierra Gorda (Guanajuato, Hidalgo y Querétaro) y otros. Su vitalidad y flexibilidad permiten que en la actualidad existan letras originales de corridos interpretadas en géneros musicales extranjeros, como el blues y el ska, e incluso letras no en español, como las traducidas o compuestas por las comunidades indígenas de México o por las comunidades "chicanas" en EEUU, en inglés o en "espanglish." wikipedia


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nuevo orden político

Fue hasta la Guerra de Independencia (1810-1821), y de ahí a lo largo de la Revolución mexicana (1910-1921) y las revueltas religiosas o caciquiles (1926-1934) originadas por el nuevo orden político, que el género prosperó y adquirió los conocidos tonos "épicos" que tanto se resaltan, así como la estructura narrativa en tres instancias antes mencionada, produciéndose el grueso de los ejemplares vivos, que se refieren a líderes revolucionarios, religiosos o populares, así como sus hechos o, incluso, su "martirologio".
Con la consolidación del "Presidencialismo" (orden político instituido tras la Revolución Mexicana) y el éxito de los medios electrónicos de comunicación masiva, el corrido perdió mucho de su papel informativo, volviéndose, por una parte, un ingrediente del culto folclorista, y por otra, en la voz de los nuevos subversivos: trabajadores oprimidos, productores y traficantes de drogas; activistas de izquierda, campesinos emigrantes (sobre todo a EE. UU.).
Esta vertiente es la considerada por los académicos la etapa "decadente" del género, que tiende a borrar las características estilísticas y estructurales del corrido "revolucionario" o tradicional, sin mostrar aún una pauta clara o unificada de evolución. Esto es representado sobre todo por el "narcocorrido", canciones dedicadas a figuras relacionadas con el narcotráfico, muchas veces ordenadas y pagadas por ellos mismos a músicos y compositores.(véase: Música mexicana moderna y contemporánea). wikipedia

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Historia del corrido

Hasta el arribo y consolidación de los medios electrónicos de comunicación masiva (mitad del siglo XX), el corrido fungió en México como un medio informativo y educativo de primer orden, incluso con fines subversivos, debido a su aparente simplicidad lingüística y musical, apropiadas para la transmisión oral. Tras popularizarse el radio y la televisión, el género ha evolucionado hacia un nuevo estado, aún en proceso de maduración, aunque la mayoría de los especialistas asegura que está muerto, o por lo menos agoniza desde entonces (véanse las afirmaciones de Vicente T. Mendoza en El corrido mexicano, 1954).
Los ejemplares vivos más antiguos del corrido son versiones transculturadas de romances españoles o leyendas europeas, relativos sobre todo a amores desgraciados o sublimados, así como a temas religiosos. Éstos, que incluyen (entre otros) "La Martina" y "La Delgadina", muestran las mismas pautas estilísticas básicas que la mayoría de los corridos posteriores (tiempo de 1/2 o 3/4 y composición literaria en "verso menor", es decir, versos de ocho o menos sílabas fonéticas, agrupados en estrofas de seis o menos versos). wikipedia

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Baguala

La baguala es un género musical originario en el noroeste de Argentina. Se difundió principalmente entre la población indígena de esa región, pero se cree que deriva de algunas tonadas españolas.
Consiste en un canto con un ritmo muy marcado y muy uniforme, y es acompañado de un instrumento de percusión llamado caja. Este canto con caja integra un ritual sagrado y festivo de la cultura andina.
La baguala tiene una melodía tritónica formado por la Tónica, su Tercera Mayor y su Quinta Justa, generalmente con el ritmo básico de negra y dos corcheas. wikipedia

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Origen del aire

El aire es un estilo musical que quedó confundido hasta que Carlos Vega lo identificó en 1936. Su origen se produjo en algún momento indeterminado del siglo XIX.^[1
Danza de galanteo de parejas sueltas e independientes, de movimientos vivos, se baila con castañetas y paso basico en la 2º colocacion. La danza se caracteriza por alternar el baile con las relaciones, dichos en forma de verso que intercambian el hombre y la mujer en la danza.wikipedia

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Aire (danza)

El aire, los aires o el aire pampeano es un estilo musical y una danza folklórica de la Argentina y Uruguay, perteneciente a la llamada música surera o sureña. Al igual que el cielito, tiene la particularidad de que los bailarines también cantan. La danza se caracteriza por alternar el baile con las relaciones, dichos en forma de verso que intercambian el hombre y la mujer en la danza. wikipedia

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